33 MUSIQUE (s) CLASSIQUE (s)

Le quatuor des Kapsber'girls formé en 2015 adresse un clin d'oeil au virtuose compositeur du début du XVIIème siècle qu'est Girolamo Kapsberger. L'extrême variété de son oeuvre témoigne de son immense talent, mais aussi de l'effervescence artistique de l'Italie prébaroque. Ses quatre livres de Villanelles sont de véritables joyaux musicaux qui nous transportent au coeur d'un univers poétique contrasté. L'incroyable richesse des couleurs des airs nous entraîne à rêver et nous laisse une agréable sensation de nostalgie... Avec Che fai tù?, Les Kapsber'girls nous offrent une interprétation unique de l'oeuvre de Kapsberger : énergie et vitalité empruntées aux musiques "populaires", colorations tirant dans les tons de musiques actuelles et envie fébrile de chercher le neuf dans l'ancien sont ici à l'ordre du jour.

La journaliste interroge le lien entre la figure de la sorcière dans l'Europe de la Renaissance et les représentations et préjugés contemporains sur la femme indépendante, âgée ou sans enfant. Elle aborde la relation de cause à effet entre la chasse aux sorcières et le rapport guerrier qui s'est développé à l'égard des femmes et de la nature. Prix de l'essai Psychologies-Fnac 2019.

Un nouvel essai original sur l'économie de la connaissance, notre nouveau pétrole... Si la connaissance est infinie, alors une croissance indexée sur celle-ci peut être infinie elle aussi. Tout le contraire de notre système actuel fondé sur des matières premières qui finissent inexorablement par se tarir. Ainsi l'économie de la connaissance est une révolution. Sa matière première est inépuisable, elle favorise et récompense le partage, et son pouvoir d'achat ne dépend que de chacun d'entre nous. Elle trouve déjà des prolongements majeurs grâce, par exemple, au biomimétisme. Elle est un enjeu capital pour l'écologie, notre sécurité, ou encore la lutte contre la pauvreté... Pour preuve, la Corée du Sud a même créé un ministère de l'Economie de la Connaissance.

Le toujours imaginatif claveciniste Ignacio Prego dirige ici une nouvelle série de concerti grossi de Charles Avison, inspirés des sonates pour clavier de Domenico Scarlatti. La variété des idées musicales contenues dans ces concertos "à partir de Scarlatti", qu'Avison avait publiés en 1744 est remarquable : chaque concerto est une suite de mouvements, où les plus vifs, mélodieux et ludiques contrastent avec les plus lents, reposants et contemplatifs. à l'inventivité et la fraîcheur d'Avison s'ajoutent ici la créativité et la sensibilité de Prego et de son ensemble Tiento Nuovo, notamment en matière d'ornementation. La musique italienne était très populaire en Grande- Bretagne à l'époque. Les concertos d'Avison sont parsemés de références à la musique folklorique que Scarlatti avait exploitée pendant ses trois décennies de voyages en Espagne et au Portugal. Le claveciniste soliste Prego avait déjà sorti chez Glossa des Variations Goldberg très bien accueillies.

La pianiste Zhu Xioa Mei, reconnue internationalement comme une grande interprète de Bach a enregistré ces Suites françaises avec à l'esprit la simplicité, la pureté naturelle et la spontanéité des enfants. Pour elle, les enfants regardent le monde avec espoir, optimisme et y mettent de la lumière : c'est exactement sa vision des Suites françaises, des pièces légères et insouciantes, au contrepoint jubilatoire. Enfin, la pianiste nous révèle aussi : "Le peintre Miro voit le monde avec cette pureté de l'enfance et il a dit quelque chose qui m'a beaucoup touchée et qui résonne en moi à chaque fois que je joue parce que la phrase contient le secret de l'art en général et de l'interprétation musicale en particulier : "Gagner en liberté c'est gagner en simplicité".

Accompagnés par l'ensemble milanais Accademia dell'Annunciata, les deux musiciens nous offrent un programme expérimental particulièrement original. Inspirés par les trois double concertos pour violon et violoncelle existants de Vivaldi - instrumentarium inhabituel dans la littérature concertante du XVIIIe siècle -, ils revisitent les double concertos de Vivaldi et de Bach (pour ce dernier, les célèbres concertos BWV 1043 pour deux violons et BWV 1060 pour violon et hautbois), transposant le deuxième solo une octave plus bas pour le violoncelle piccolo. S'appuyant sur des preuves musicologiques et historiques, la démarche révèle avant tout leur plaisir de travailler ensemble sur un projet innovant. Le résultat offre une occasion unique d'apprécier ces célèbres pièces sous de nouveaux atours.

La "meilleure de ses oeuvres". C'est ainsi que Beethoven considérait ses Trios à cordes opus 9 au moment de leur publication, en juillet 1798. De fait, le jeune compositeur s'est surpassé tout au long d'un triptyque alliant beauté sonore, originalité formelle et haute virtuosité instrumentale. Rare formation constituée pour ce répertoire, le Trio Arnold apporte à ces chefsd'oeuvre le juste mélange de perfectionnisme et d'intensité qui fait les grandes interprétations.

Parmi les artistes les plus actifs pendant le confinement, Thibault Cauvin a été sans nul doute l'un des plus visibles. Le guitariste classique français a même créé un véritable buzz sur le web grâce à son N?BrouwerChallenge qui a été repris par de nombreux médias mondiaux, dont Le Figaro en France. L'idée : jouer chaque jour une composition du guitariste cubain culte Leo Brouwer et challenger deux artistes de les reprendre. Grâce à ces reprises de pièces courtes et mélodiques devenues virales, ce Challenge a eu un impact très fort dans le monde de la musique. Cet album regroupe les 30 compositions de ce challenge ainsi que 3 titres bonus inédits, composés par Leo Brouwer spécialement pour Thibault.

Le programme a été enregistré à l'Opéra Bastille à Paris, dans la magnifique Salle Liebermann, au printemps 2015. Depuis 2012 et la sortie de son premier récital Chopin chez Sony Classical, Lang Lang n'est pas revenu sur ce compositeur non seulement essentiel à la musique mais à la légende du piano de toujours. Le programme de cet enregistrement est à lui seul un événement : les 4 Scherzos de Chopin sont une pièce maîtresse de son oeuvre et ne peuvent se déployer que sous les doigts des plus grands artistes. Ils exigent tout d'abord une incroyable virtuosité et un poids pianistique que seuls des artistes de son rang possèdent, mais c'est ensuite dans la qualité de l'engagement expressif de l'artiste que tout se joue. Le programme ne manque pas d'originalité avec les splendides et rares Saisons de Tchaïkovski, dont seul La chanson automnale semble être connue de tous. Il s'agit d'un magnifique recueil de 12 pages, chacune dévolue à un mois de l'année, que l'auteur a composé entre 1875 et 1876. Il s'y révèle à la fois romantique et rêveur mais aussi vif et alerte quand les chants populaires russes traversent la partition.

Les deux joyaux de cet album sont nés de la rencontre de Manuel de Falla avec les dramaturges Martinez Sierra-Lejárraga : L'Amour sorcier dont l'inspiration éminemment "gitane" nous fait pénétrer dans l'âme du répertoire flamenco, ici magnifiquement incarnée sous la direction du maestro Pablo Heras-Casado. Et la brillante pantomime Le Tricorne pour laquelle Picasso avait réalisé décors et costumes il y a tout juste. 100 ans !

Il s'agit de la première monographie pour piano du céleste et mythique clochard de New York.

Les affinités électives sont nombreuses dans cet album de Pierre Génisson. C'est autour des quintettes de Mozart et Weber, compositeurs liés par le mariage de Wolfi avec Constance, que Pierre Génisson rencontre le Quartet 212 des musiciens du Metropolitan Opera de New York. Ces deux partitions lumineuses, où le timbre chaud de la clarinette se fond dans la brillance des cordes, sont l'écrin du dialogue amoureux des instruments. Un mélange raffiné que le titre de l'album en forme de clin d'oeil, How I met Mozart, actualise avec malice.

Durant la Seconde Guerre Mondiale, Prokofiev composa un nouveau ballet, Cendrillon, à partir de l'histoire de Charles Perrault. Dans la foulée, trois cycles pour le piano virent le jour. Il s'agit d'arrangements de plusieurs pièces du ballet. L'écriture est souvent virtuose, pleine d'ironie et de lyrisme à la fois. Wilhem Latchoumia a choisi d'ordonner les pièces dans l'ordre du ballet afin d'en respecter la continuité narrative. Cela ne s'était pas fait jusqu'à présent. Plus encore, l'interprète passionné par les répertoires rares et les esthétiques contemporaines les plus variées, a intégré dans le ballet de Prokofiev quatre pièces du compositeur américain Henry Dixon Cowell. Ces partitions écrites entre 1912 et 1930 utilisent des procédés d'écriture et de jeu nouveaux pour l'époque, comme le fait de jouer sur les cordes de l'instrument. Chaque pièce rythme ainsi les épisodes du ballet, offrant à l'imaginaire de chaque auditeur de nouveaux horizons sonores.

Pianiste virtuose, compositeur comptant parmi les dernières figures du romantisme russe, Rachmaninoff a connu de grands épisodes de mélancolie, voire de désespoir. Sa nature tourmentée a trouvé à s'exprimer dans une musique à l'intensité flamboyante, conjuguant fulgurances fiévreuses, presque expressionnistes, et limpides mélodies dépouillées. L'haletante Sonate N?2 et les six Moments musicaux sont, de ce point de vue, particulièrement éloquents, et résument la poésie si singulière de Rachmaninoff. Jean-Paul Gasparian est ici chez lui : après un premier enregistrement autour de l'école russe particulièrement remarqué, il confirme dans ce troisième opus ses affinités électives et sa maîtrise saisissante du répertoire. Son jeu profond, au timbre dense et chaleureux, offre un écrin de choix au lyrisme incandescent du compositeur russe, dont il réconcilie l'ardeur et la noblesse.

Avec cet enregistrement, la pianiste Beatrice Rana impressionne par sa maturité et sa profonde personnalité musicale pour mettre en miroir deux grands noms du début du XXe siècle, le français Maurice Ravel et le russe Igor Stravinsky. Auréolée de sa victoire au Concours international de Montréal à 18 ans puis de son prix du public au Concours Van Cliburn à tout juste vingt ans, la pianiste italienne aime à faire partager son répertoire fétiche dont les Miroirs et la Valse de Ravel qui tiennent une place toute particulière dans son parcours.

L'année commémorative Saint-Saëns invite les plus curieux à explorer certaines de ses oeuvres moins familières du grand public. La violoniste française Geneviève Laurenceau est de celles-ci, et a conçu cet album dont elle est soliste comme un long poème aux strophes variées afin de donner à entendre "un autre Saint-Saëns dont l'écriture, à l'élégance lumineuse et chaleureuse, sait faire chanter les instruments d'une voix profondément humaine et virtuose". Le violon rencontre ainsi tantôt le violoncelle de Yan Levionnois (pour le véritable poème symphonique en duo qu'est La Muse et le Poète), tantôt la harpe de Pauline Haas (dans le petit bijou qu'est la Fantaisie pour violon et harpe), tantôt dialogue avec l'Orchestre de Picardie ici confié à la direction de Benjamin Levy (Concerto pour violon N?1, Romances op.37 et op.48). Double hommage d'une violoniste à un autre, Geneviève Laurenceau adjoint le pyrotechnique Caprice composé d'après l'étude en forme de valse op.52 N?6 de Saint-Saëns par Eugène Ysaÿe - interprète indissociable du compositeur, créateur de La Muse et le Poète.

Deux ans à peine séparent la monumentale Sonate en sol (octobre 1826) de sa soeur en ut mineur (septembre 1828), la première d'une trilogie composée au seuil de la mort, qui l'emportera quelques semaines plus tard. Deux ans, tout un monde ! Rarement présentées ensemble, ces deux chefs-d'oeuvre de Schubert se situent au coeur du répertoire, mais aussi des interrogations esthétiques d'Adam Laloum, qui signe ici son premier enregistrement pour harmonia mundi.

Les Concerti da Camera constituent un cas unique dans le panorama de la musique italienne de la première moitié du XVIIIe siècle : Vivaldi est en effet le seul musicien de cette époque à adopter le style et le langage concertants sous une forme chambriste. Le terme de "Concerto da camera", employé pour distinguer ces oeuvres de celles faisant appel à un groupe de cordes pour former le ripieno, n'est d'ailleurs pas utilisé par Vivaldi lui-même, qui les nomme tout simplement "concertos" bien qu'elles ne fassent appel qu'à des instruments solistes (hormis le continuo) et se différencient ainsi des autres concertos de l'époque par l'originalité de leur instrumentation. Les oeuvres titrées "Concerti da camera" ne sont cependant pas rares dans l'Italie baroque, mais sont soit des pièces de musique de chambre n'adoptant pas l'écriture concertante, soit des concertos sur le modèle corellien faisant appel à un tutti orchestral - le terme "da camera" se référant au style et non à l'instrumentation. Ils relèvent donc d'un genre différent de celui qui nous occupe, et s'opposent, par leur forme issue de la suite de danses, au "Concerto da chiesa" qui lui est basé sur l'alternance de mouvements lents et rapides.

Cinq archets de haute volée pour une seule voix d'où rayonnent des tempéraments complices, des natures profondes et un humour décapant : c'est le pari de cette formation 100 % féminine, imaginée par Geneviève Laurenceau, comme un espace de créativité et d'exploration pour développer l'expérience exigeante et riche du quintette à cordes. Si le thème est universel et intemporel, il s'incarne ici dans le son incandescent, le lyrisme généreux et la dynamique pulsée qui caractérisent les cinq musiciennes.